Desde Archimboldo hasta Athanasius Kircher, muchos fueron los que se dedicaron a construir instrumentos musicales cuyas frecuencias se correspondieran con frecuencias cromáticas.  Así, a partir del siglo XVI se dieron una serie de instrumentos conocidos como “órganos de color” destinados a modular una serie de luces coloreadas a partir de las diferentes notas que se iban ejecutando. Cerca de 1730, el jesuita Louis Bertrand Castel, construyó su famoso “órgano ocular” que consistía en un marco cuadrado colocado sobre un órgano común. Este marco tenía 60 pequeñas ventanas, cada una cubierta con un vidrio de diferente color y una pequeña cortina que se activaba con un sistema de poleas enganchada en cada una de las teclas. De esta manera, cada vez que una tecla era tocada, la cortina se elevaba dejando ver la luz a través de los vidrios de colores. Los contemporáneos de Castel estaban fascinados con este invento e importantes personalidades visitaban el estudio del jesuita para acceder a una demostración de sus virtudes. Incluso el compositor alemán Telemann, quien había viajado especialmente a Francia para tal fin, compuso una serie de piezas para ser ejecutadas en este órgano.

El mismo Alejander Scriabin se basó en  los escritos de Pere Castel para construir su propio “piano de luz”. Este compositor ruso quien, entre otras cosas, fue el que introdujo a Kandinsky a la teosofía, había pertenecido al círculo de Troubetzkoy en Rusia y había tomado contacto con la doctrina teosófica en París, soñaba con crear una obra que combinara tanto sonidos como colores.  Su poema sinfónico Prometeo: El poema del fuego, de 1910, incluye una parte a ser ejecutada por  su  “clavier à lumières”. La obra se basa en un complejo programa que termina con el comienzo del mundo y la danza cósmica de los átomos. El sistema que idea Scriabin para sintetizar música y colores está basado en una tabla donde a cada sonido corresponde un color.  Sus búsquedas sinestésicas tenían que ver con una antigua corriente espiritual de pensamiento que atravesó por igual a personajes tan disímiles como Goethe, Rimbaud o  Mme. Blavatzky. En esa época, claro, no existían los sintetizadores analógicos de los 60, ni mucho menos los ordenadores. Y, por supuesto, no había reactables.

La primera consola con un juego de Pac-man fue instalada en mayo de 1980 a la salida de un cine de Shibuya, el barrio de la ciudad de Tokio donde se encuentran los centros comerciales de moda joven. El juego había sido diseñado por Toru Iwatani y pronto se volvió tan popular que se convirtió en un icono de la década. El nombre originario había sido Puck-man (cuya traducción sería, en inglés, “munch-man” u “hombre masticador”). Pero al comprarse la licencia en los EEUU, no faltaron los graciosos que sobreimprimieron la F a la P, con lo cual los fabricantes prefirieron renombrarlo. Iwatani ha contado varias veces cómo todo el concepto del juego se basa en la comida. El protagonista está moldeado a partir de una pizza a la que le faltan porciones. También están las cerezas, fresas, naranjas, manzanas y melones (que, según los niveles, van subiendo el puntaje al comerlo)s y, por supuesto, la figura glotona del pac-man. Con respecto a los fantasmas, los enemigos del protagonista, son los conocidos Blinky, Pinky, Inky y Clyde. De entre los miles de productos ligados al merchandising de Pac-man, quizás los más desesperantes sean los caramelos con forma de fantasmas. Allí el desorden alimenticio se pone en acto convirtiéndose el juego en un juego de realidad aumentada.

Ronald McDonald, el personaje ícono de la cadena de restaurantes de comida rápida McDonald’s, existe desde los años 60. Ha animado las fiestas de millones de niños, ha visitado a millones de niños enfermos, se ha sentado con su banco delante de las miles de tiendas de comidas rápidas de 123 países. El personaje tuvo tanto auge a comienzos de los 2000 que incluso fue nombrado “Jefe de la felicidad” de la Corporación McDonald’s. Fueron épocas doradas. Sin embargo, a causa de las inquietudes crecientes respecto de la obesidad infantil (y también la obesidad en los adultos) en el Primer mundo, Ronald ha caído definitivamente en desgracia y la cadena, que intenta cambiar su imagen asociada a la grasa y las frituras incorporando cafés, frutas y ensaladas, se está encargando sutil y paulatinamente, de retirarlo de la vista del público. Ronald, viejo y gordo, está a punto de ser despedido. Mientras tanto, en muchos países del Tercer mundo, Ronald sigue siendo hoy como ayer uno de los principales  símbolos del capitalismo y la globalización de la cultura norteamericana. Como tal, ha tenido que recibir piedrazos y maltratos cuando no ha sido directamente destruido. Ronald se encuentra hoy en una situación tremendamente incómoda, atacado por sus enemigos y abandonado por sus amigos.

Cuando uno piensa en la leyenda de Robin Hood, imagina una serie de hombres vestidos de verde, escondidos entre las ramas de los árboles del bosque de Sherwood. Pero rara vez uno se detiene a pensar porqué están todos vestidos de verde. Se podría pensar que es principalmente por una cuestión de camuflaje. Pero no. Las telas de lana con las que confeccionaban sus ropas los pastores de Nottinghamshire, que normalmente había sido de color crudo o gris, comenzaron en la Edad Media a ser teñidas de color verde en la ciudad de Lincoln, famosa por sus talleres de telas. Allí nació el color “verde Lincoln”. Las telas de lana eran  teñidas primero de azul con añil y luego sobre-teñidas de amarillo con un baño de reseda, lo que daba por resultado un color verde oliva profundo.

Los trajes de Robin Hood y sus hombres (los “merry men”) estaban teñidos en Lincoln, pero tenían, además, otras connotaciones: remitían al pagano motivo del “hombre verde”, subrayando la importancia que la fe pagana tenía en la concepción de la leyenda de Robin Hood. El motivo  del “hombre verde”, que aparece en esculturas, dibujos y ornamentaciones medievales y renacentistas y representa un hombre formado por hojas y ramas, representa a las divinidades de la naturaleza, símbolo del renacer en la primavera y de la fertilidad. Así, además de presentarse como un rebelde, jefe de una pandilla de bandidos que desafiaban a la autoridad gubernamental, y además de representar la lucha de los anglosajones contra los normandos, Robin Hood representaba igualmente la pervivencia de las raíces politeístas-paganas en el cristianismo anglosajón.

En Gran Bretaña, el motivo del “hombre verde” volvió a hacerse popular en el siglo XIX, durante el período georgiano-victoriano neogótico. También lo hizo la leyenda de Robin Hood, por ejemplo, en las obras de Walter Scott, Thomas Love Peacock o Howard Pyle .

So Ra No Wo To (Sonido del cielo), es un animé japonés. La protagonista es una niña bastante despistada llamada Kanata Sorami, que tiene un sueño: convertirse en trompetitsta del ejército. Para ello, ingresa  a la armada y es asignada a la ciudad de Seize (basada en la ciudad de Cuenca).

Aunque hoy, 21 de febrero, es el aniversario de los astronautas gemelos Scott y Mark Kelly, estos no podrán soplar las velitas de sus pasteles juntos porque Scott está orbitando a 380 kilómetros de la Tierra. Los gemelos se interesaron desde pequeños por el espacio. Ambos estudiaron ingeniería, se enrolaron en el ejército y, en 1996, solicitaron formar parte del equipo de astronautas de la NASA. A raíz del aniversario, la NASA ha habilitado un servicio especial en su página web para que los internautas puedan enviarle postales electrónicas de felicitación a Scott con imágenes que él mismo ha tomado desde el espacio y sobre las cuales aparecen las palabras “Happy birthday, Scott”. El matasellos automático indica “Planeta Tierra, 2011”. El primero en enviar su postal será, seguramente, Mark.

http://www.nasa.gov/externalflash/Kelly_Birthday/

La palabra “estrategia” posee un origen militar y puede ser definida como “el direccionamiento de las operaciones de campaña, que parte de un análisis de las condiciones de enemigo, tiempo, terreno y medios de combate, a fin de establecer el uso más eficiente de las potencialidades de las propias tropas, dirigidas a lograr la derrota del adversario al menor costo material, humano, político y económico posible”. A lo largo de la historia se han escrito interesantes libros sobre el tema, por citar sólo algunos, El arte de la guerra, de Sun Tzu (siglo 6 aC); el Arthashastra, escrito por Chanakya, asesor del  emperor Chandragupta ( siglo 3 aC); El príncipe, de Maquiavello (1513); El Libro de los Cinco Anillos, de Miyamoto Mushashi  (1645); Sobre la guerra, el texto escrito por el  general prusiano Carl von Clausewitz (1832) o Estrategias y tácticas, de Mao Zedong. Durante el siglo XX, el concepto de estrategia se hizo extensivo a organizaciones, partidos políticos,  empresas, corporaciones y, en general, toda institución envuelta en alguna clase de “dialéctica de voluntades”. En el año 1944, el término  es introducido en el campo económico y académico por Von Newman y Morgerstern con la teoría de los juegos, en ambos casos tomando como partida la idea básica de la competición. En 1962, es tratado desde la teoría del management, por Alfred Chandler y Kenneth Andrews. Recordemos aquí uno de los concejos de libro del camarada Mao, para quien, a la hora de evaluar los objetivos, más importante que la toma de una ciudad era la completa aniquilación del enemigo. (Una vez aniquilado el enemigo, la ciudad se tomaba sola).

El engaño del Dreadnought fue una broma ideada en 1910 por Virginia Woolf y un grupo de amigos pertenecientes al grupo de Bloomsbury. Con una concepción bastante extraña de lo que es una broma, Woolf y sus amigos se disfrazaron de príncipes abisinios y se presentaron en el puerto de Dorset a fin realizar una “visita oficial” al famoso acorazado. Con los rostros oscurecidos con tintura y luciendo vistosos turbantes, se hicieron recibir por las autoridades navales quienes los escoltaron en su visita y homenajearon con una guardia de honor. Los “príncipes” se comunicaban entre ellos en una suerte de bable en el que se mezclaban palabras griegas y latinas y lanzaba, cada vez que algo les sorprendía, la exclamación supuestamente africana “¡Bunga, bunga!”. Fueron los mismos bromistas quienes, días más tarde, se ocuparon de desenmascarar la chanza en el Daily Mirror, acompañando la crónica de su visita al Dreadnought con fotografías del evento. Algunos comentaristas criticaron la conducta del grupo haciendo notar lo ofensivo que esto fue para las autoridades navales británicas. En ningún sitio he encontrado referencia a lo tremendamente insultante que esto debe haber sido para los etíopes.

Un reciente estudio sobre los comportamientos del consumidor ha determinado que las personas cuyo apellido comienza con una letra cercana al final del alfabeto compran más que aquellas cuya inicial está cerca de la A. Esto parece ser la norma sólo si se tienen en cuenta los apellidos que las personas tuvieron en su infancia y no a sus nombres de adultos, en el caso de que hubieran cambiado. El hecho lleva a los autores del estudio a formular la hipótesis de que esto puede deberse a que los niños cuyos apellidos empiezan por Z están siempre al final de la fila y buscarían así una especie de compensación simbólica.

Acaba de inaugurarse en el Thyssen la muestra de Jean-Léon Gérôme.  Gérôme (1824 – 1904), fue un  pintor y escultor francés academicista y neoclasisista (en el revival clásico de mediados del siglo XIX). Sus obras generalmente giran en torno a temas históricos, mitológico y orientalistas. Perteneció al movimiento Neo-Grec, defendido por el influyente crítico y escritor Théophile Gautier y tuvo la infinita mala suerte de pertenecer a la generación de los impresionistas, quienes despreciaban su pintura a tal punto de que la misma fue relegada y olvidada durante mucho tiempo.

Existe un lugar denominado “oficina de las cartas muertas” (en los Estados Unidos, Dead Letter Office), sitio a donde van a parar todas aquellas cartas que no poseen destinatarios conocidos y que tampoco pueden retornar a sus remitentes. La oficina de las cartas muertas de Washington, por ejemplo, aparece mencionada en la novela de Herman Melville, Bartleby, el escribiente. Bartleby había trabajado en ella, lo cual aparentemente  era el origen de su comportamiento existencialista.

Algunas cartas tienen más suerte y no mueren. En 1971, Edgardo Antonio Vigo, uno de los pioneros del arte correo en Argentina, creó un personaje ficticio llamado Otto von Mach. Vigo enviaba cartas a este personaje a direcciones inventadas en países remotos. Las cartas enviadas le eran devueltas, quedando registrado en cada sobre el itinerario realizado por la misma, su entrada y salida de los diferentes países, las fechas, los informes del cartero que rezan “Destinatario desconocido”, “Dirección inexistente”, etcétera.

La primera mención al Día de San Valentín en relación con festejos románticos aparece en El Parlamento de los pájaros, escrito hacia 1380 por el poeta inglés Geoffrey Chaucer. En él se hace referencia al día en que “las aves vienen a elegir su pareja”. En 1797 aparece publicado, también en Inglaterra, The Young Man’s Valentine Writer, un manual con una lista de versos pre-hechos para ser utilizados por enamorados faltos de imaginación literaria en sus tarjetas manuscritas para sus amadas. También comienzan a aparecer poemas directamente impresos en postales, conocidas como “valentines mecánicos”. Estos muchas veces eran remitidas a sus destinatarios en forma anónima, cosa bastante adecuada para la recatada época victoriana. La costumbre pasó hacia la mitad del siglo XIX a los Estados Unidos, donde las postales de San Valentín empezaron a producirse en forma masiva.

Hace ya unos 30 años, comenzó esta idea de robar enanos de jardín para llevarlos de viaje y luego enviarle fotos del mismo, desde sus diferentes destinos, a sus dueños. Existen incluso organizaciones que se dedican a esta actividad, siendo la más conocida el Frente de Liberación de Gnomos de Jardín, cuya meta es, precisamente, liberar a estos tristes personajes de un destino de soledad, mediocridad, cuando no de trabajos forzados. La tradición de los duendes viajeros se originó en Australia, en los años 80, cuando una mujer que habitaba los suburbios de Sydney descubrió que su enano de jardín había sido robado y que, en su lugar, alguien había dejado una nota que decía “Querida mamá: no pude aguantar más la soledad y me fui a recorrer el mundo. No te preocupes por mí. Volveré algún día. Con amor,  Bilbo.” Desde entonces, el gnomo viajero a aparecido en una serie de películas, series de televisión y sitios de Internet. En el blog de Garth, por ejemplo, un gnomo de jardín se presenta de la siguiente manera: “¡Saludos! Soy Garth, el gnomo viajero. Nací en China pero solía vivir en Las Vegas antes de mudarme a Vancouver, Canadá. Soy muy afortunado al poder viajar tanto. He estado en México, Laos, Australia y Nueva Zelanda…” Las fotografías nos lo muestran recorriendo los destinos más lejanos y exóticos del mundo.

Además de ser el diario más importante de Metrópolis, el Daily Planet es uno de los diarios más populares del mundo. Su redacción se encuentra en la esquina de la calle 5ta y Concord Lane, en el centro mismo de la ciudad, y su edificio es un ícono urbano con su característico e inmenso globo terráqueo girando en la cúpula. El diario comenzó a publicarse en 1775 y fue el mismo George Washington el que escribió su primera editorial. Allí entró a trabajar Clark Kent luego de recibir su diploma de periodista en la Universidad de Metrópolis y allí la conoció a Luisa Lane, la reportera que no duda en poner en peligro su vida con tal de lograr un buen titular para la portada. Pero ¿quién es el verdadero dueño de este diario?, ¿algún magnate anónimo?, ¿alguna corporación? ¿A qué intereses responde realmente su línea editorial?