Kazuo Ohno (1906-2010) fue un bailarín japonés que se vio convertido en una figura emblemática del Butoh. En su juventud, en 1929, Ohno había asistido a una actuación de Antonia Mercé “La Argentina” en el Teatro Imperial de Tokio. Ésta lo impactó de tal manera que dejó su carrera como profesor de gimnasia y decidió dedicarse a la danza. Luego vino una época de gran sufrimiento. Kazuo Ohno pasó nueve años sirviendo en la guerra y, al regresar a su hogar, quiso reivindicar la importancia de la vida a través de la danza. En los años 50, conoció al coreógrafo Tatsumi Hijikata, quien lo inspiró para comenzar a experimentar con el Butoh.
El Butoh fue desarrollado en Japón, a fines de la década del 50, por Hijikata. Se trata de una serie de técnicas de danza que se basan en el control-no control del cuerpo y acentúan las fuerzas internas o externas que lo mueven en vez de enfatizar sus movimientos conscientes. Esta forma de arte incluye imágenes lúdicas y grotescas, temas tabú y entornos extremos o absurdos. Tradicionalmente, se realiza con maquillaje blanco y movimientos lentos e hipercontrolados. Abreva tanto en la tradición japonesa del arte escénico -Teatro Noh, Kabuki- como en el arte de las vanguardias europeas -especialmente el dadaísmo, el surrealismo y el expresionismo alemán, con bailarinas como Mary Wigman-. Sus influencias van desde Nijinsky hasta Marcel Marceau, pasando por Antonin Artaud y su Teatro de la crueldad y explora temáticas como la existencia, la condición humana, la muerte. Las primeras obras de Hijikata estaban inspiradas en escritores europeos como el Marqués de Sade o el Conde de Lautréamont. También se inspiró en Jean Genet, su idea de “criminalidad” y su personaje de Divine. Su primera pieza de Butoh (1959) se basó en Kinjiki (Colores Prohibidos), la novela de Yukio Mishima que explora el tabú de la homosexualidad. Sus referencias sexuales y la violencia de la coreografía impactaron en la época a los espectadores.
Luego de una pausa de diez años, en 1977 Ohno volvió a los escenarios. Lo hizo con el espectáculo Admirando a La Argentina, que consistía en una danza que duraba toda la noche, inspirada en Antonia Mercé. El solo de Kazuo Ohno, dirigido por Hijikata, se estrenó en noviembre de ese año en el Daiichi Seimei Hall de Tokio. Comenzaba con escenas autobiográficas de Ohno que terminaban desembocando en la presentación de la vida de La Argentina. Luego, ambos personajes se fusionaban y Ohno terminaba convirtiéndose en ella.
Antonia Mercé había nacido en Buenos Aires en 1890. Hija de padres españoles, su padre fue nombrado director del cuerpo de baile de la Ópera de Madrid, ciudad donde se radicó su familia. Aunque ella había tenido una formación como bailarina clásica, decidió estudiar danzas populares españolas. Su idea era fusionar lo popular con las vanguardias. El arte de Mercé logró reconocimiento mundial, realizó numerosas giras internacionales y llegó a trabajar con músicos como Albéniz y Manuel de Falla y con bailadores como Vicente Escudero o Miguel de Molina (este último, dicho sea de paso, vivió más de 50 años en Buenos Aires, en donde se había exiliado por su condición de republicano y homosexual).
 

Yoko Ono en el Gropius Bau y la Neue Galerie, Berlín.

Bobeobi, poesía de Khlevnikov, en su versión tanto gráfica como oral

El padre de Velimir Khlevnikov, Vladimir Afanassievitch, fue un naturalista ornitólogo -incluso escribió el libro “Lista de pájaros de la provincia de Astracán”- y fundó el Parque Nacional de Astrakán. Éste veía con recelo las inclinaciones de su hijo, quien gustaba de la poesía y tenía una visión nihilista de la vida. Velimir vivía en una pequeña habitación fría y oscura y solía deambular poer los alrededores del mar Caspio -Astracán, Bakú, Irán-. En ocasiones, se lo veía por las calles de Bakú descalzo, sin sombrero, solo vistiendo una camisa liviana y un pantalón a pesar del frio y la nieve, con su largo cabello al viento. Khlevnikov, el poeta derviche, el poeta profeta, el poeta anarquista -admirador de Kropotkine-, buscaba convertir la materia de la lengua cotidiana en sustancia poética, ansiaba crear una lengua críptica, transmental, cósmica. Admirador de la poesía persa, se interesaba por el balabailan de los derviches, una lengua poética secreta que influyó en su creación del idioma Zaum. También por el lenguaje de los pájaros, pero no desde la ornitología, como su padre, sino desde la obra de Farid al Din Attar  (s.XII)  y la mística islámica. Su trabajo poético estaba ligado a la Revolución rusa, pero no se interesaba por el gobierno de Lenin sino que abrevaba en toda clase de elementos marginales para fundar un gobierno utópico lejos de cualquier espíritu doctrinario. Así es cómo escribió su gran utopía: “El gobierno del globo terrestre”. En 1916, creó su “gobierno” eligiendo a todo tipo de candidatos para gobernar un mundo que se regiría completamente por nuevas leyes. En este nuevo orden, él sería el “presidente” Velimir I, título que mandó grabar, además, en la lápida de su tumba.

Contraliteraturas explora las formas literarias que, desde finales del siglo XIX hasta hoy, han desafiado las convenciones hegemónicas de la escritura. El libro se focaliza en estrategias de ruptura que subvierten las palabras, la historia, la lógica, la gramática, el sujeto lírico, el concepto de obra original, la función de autor.
La escritura de los poetas malditos, la de las vanguardias históricas, las neovanguardias, la literatura posmoderna, el conceptualismo, la poesía visual, la sonora, la electrónica, la digital experimental han concebido la literatura como una actividad que reflexiona sobre el sistema de la lengua y las maneras en que éste genera sentidos. Desde finales del siglo XIX y hasta hoy, todos estos escritores han buscado romper con las convenciones literarias dominantes a partir de la creación de nuevas gramáticas y significaciones. Las «contraliteraturas» aquí presentadas confrontan con una literatura que reproduce las visiones hegemónicas del mundo, llevando muchas veces al límite lo aceptado por el statu quo lingüístico, alterando los códigos establecidos, instaurando nuevas sensibilidades y nuevos valores.

En la tradición china, poesía y caligrafía siempre han estado estrechamente relacionadas. Dadas las cualidades ideogramáticas de la escritura china, ésta se fusiona naturalmente con la pintura. En la antigua China, un buen poeta debía ser, así mismo, un buen calígrafo. La práctica que integraba poesía, caligrafía y pintura era conocida como san-chiieh (las tres perfecciones) y surgió como tal durante la dinastía Song, prolongándose hasta nuestros días.
Generalmente se considera a Wang Xizhi (303-361), poeta y funcionario chino que vivió en la provincia de Shandong, en épocas de la Dinastía Jin, como el mejor calígrafo chino de la historia y como aquel que fijó el modelo de escritura para todas las generaciones de calígrafos que lo siguieron. Este maestro de fama legendaria era además practicante de la alquimia taoísta. Aparentemente, uno de los pasatiempos de Wang Xizhi era criar gansos y se cuenta que, de hecho, aprendió cómo girar la muñeca mientras sostenía el pincel a partir de la observación de la elegante manera en que los gansos movían sus cuellos.
Esta pintura de Wang Xizhi observando a los gansos forma parte de un rollo que ilustra la historia del poeta y fue realizada por el pintor Qian Xuan hacia el año 1295.
Pintado en su estilo deliberadamente primitivo, en colores azul y verde y mediante una evocación onírica de la antigüedad, el artista buscaba evadirse del contexto histórico en que le había tocado vivir:  la caída de la casa real Song. Tras la conquista de Hangzhou, la capital de la dinastía Song del Sur, por parte de los mongoles, en 1276, Qian Xuan decidió pasar el resto de su vida como un yimin, un «súbdito sobrante» de la dinastía.

Bodas de Sangre.

. James Lee Byars, Museo Reina Sofía (Palacio de Velázquez)

Vórtice me ha incluido en la versión femenina de la vaca del mail-art de Cavellini (con cita de Anna Banana que, a su vez, cita a Mao Zedong.) En los años 70, el mail-artista Guglielmo Achille Cavellini confeccionó un diagrama de cortes de vacuno en el que reemplazó los nombres de las piezas con los de famosos artistas modernos entre los cuales se incluyó a sí mismo. También se lo envió, mediante correo postal, a los miembros de la red internacional de mail-artistas con los que mantenía contacto, invitándolos a que lo copiaran, alteraran, pusieran sus propios nombres y los distribuyeran. La imagen ha sido desde entonces reproducida cientos de veces con diferentes nombres. Por ejemplo, por Anna Banana, Paolo Bruscky o Edgardo Vigo.

En la década del 70, al rellenar formularios y llegar al casillero de la nacionalidad, Robert Filliou siempre completaba “Nacionalidad: Poeta”. Sin embargo, en época de nomadismos, migraciones, diásporas y múltiples nacionalidades, las instituciones y el mercado suelen seguir vehiculizando las producciones culturales a partir de conceptos fuertemente ideológicos y esencialistas como el de una única pertenencia nacional de artistas y escritores.
La imagen de la izquierda es un stencil que fotografié en 2015, en una pared de Venecia, en épocas de la Bienal de Arte. La de la derecha, es una frase en neón que fotografié durante la feria ARCO 2024, en Madrid, y que pertenece a una obra de Maja Bajevic.  Frente a ideas abstractas que subsumen a los individuos, la desterritorialización de los creadores.

Entrevista a Belén Gache por Camille Dasseleer y presentación de obra. Coloquio “Los territorios de la poesía en el mundo ibérico: España, Portugal y Latinoamerica -1990-2023”, Universidad de Louvain‐la‐Neuve, Bélgica – Del 28 de febrero al 1 de marzo de 2024.

El icónico “Coer Volant” fue diseñado por Marcel Duchamp para la revista Cahiers d´art número 1-2, en 1936. Está formado por cuatro corazones superpuestos, dos de ellos, en color rojo anaranjado y dos, en color celeste. La saturación de ambos colores crea una reacción de vibración óptica, lo que hace que parezca que los corazones están latiendo. La obra fue reutilizada por Dick Higgins, quien gestionó sus derechos de reproducción con el mismo Duchamp en 68, poco antes de que éste falleciera. Higgins utilizó la imagen como portada del libro Sweethearts, de Emmett Williams, una propuesta de poesía concreta que publicó en su editorial, Something Else Press. En los años 80, el grupo General Idea los “infectó” con su clásico color verde fluo, formando éstos parte de sus series referidas al sida.

Dan Graham, sus pabellones transparentes y sus juegos de percepción, en el jardín del Museo Reina Sofía.

      
Boolean Image/Conceptual Typewriter (1970) fue un proyecto de Carl Fernbach-Flarsheim. Utilizaba un programa que generaba grillas aleatorias de letras y números y que se ejecutaba un ordenador llamado IDIIOM. Éste contaba con diez botones que se correspondían con diez conceptos basados en el I Ching, el Libro de las Permutaciones.

Mi avatar y yo, leyendo “Yo no soy Yo” en El Desleal, La Laguna, Tenerife, islas Canarias, el 24 de noviembre de 2023.

Mirar de cerca. ¿Qué es un libro de artista?
Vídeo producido por el Programa de Mediación de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid). Entrevistas a Rocío Santa Cruz, Mela Dávila Freire, David Maroto, Valerie Maasburg, Belén Gache, Magda Polo Pujadas, Guillermo Polo, Ignasi Aballí y Antonio Alcaraz.